Le film est déjà disponible aux USA au prix compétitif de $9.50 pour 36 poses. Cette tarification le positionne juste au-dessus du ColorPlus 200, le rendant ainsi accessible aux photographes argentiques de tous niveaux. Selon les informations, ce film équilibré pour la lumière du jour offre un grain fin et une grande finesse de détail, accompagnés d’une palette de couleurs naturelles avec des tons chair agréables et un contraste moyen.

Le Kodacolor 100 se destine particulièrement à la photographie de paysage, de portrait et de voyage en conditions lumineuses, ce qui correspond logiquement à sa sensibilité ISO 100. Certains photographes spéculent que cette nouvelle émulsion pourrait être identique ou similaire au Kodak Pro Image 100, un film qui demeure populaire malgré des rumeurs d’arrêt de commercialisation il y a quelques années.

Utilisant le process standard C-41, le film offre la latitude d’exposition typique de ce développement, permettant une légère surexposition pour obtenir des ombres plus propres et des tonalités plus douces.

Comparé au très populaire Ektar 100, le Kodacolor 100 promet un rendu plus naturel avec une saturation décrite comme retenue, ce qui pourrait le rendre plus adapté à certaines applications où des tons sobres sont recherchés. Au-delà des caractéristiques techniques, deux aspects rendent ce lancement particulièrement intéressant. D’abord, il s’agit du premier nouveau film photographique de Kodak depuis très longtemps, signe encourageant pour la communauté argentique. Ensuite, son emballage arbore le logo classique d’Eastman Kodak avec une esthétique rétro particulièrement séduisante, contrastant avec le branding plus moderne des autres films de la marque.

Une double annonce stratégque

En fait, Kodak a officiellement confirmé le lancement non pas d’un, mais de deux nouveaux films : le Kodacolor 100 et le Kodacolor 200.

Le Kodacolor 100 promet un grain fin, des couleurs saturées, une grande netteté et une large latitude d’exposition, tandis que le Kodacolor 200 partage ces mêmes qualités tout en offrant une meilleure performance dans les situations de faible luminosité.

Les premières images d’exemple révèlent des couleurs fidèles à la réalité, sans saturation excessive. Plusieurs passionnés de photographie argentique qui ont eu l’occasion de tester ces nouveaux films, notent avec enthousiasme que la promesse d’une saturation moindre que l’Ektar est visible dans ces échantillons, avec une tendance vers des tonalités plus chaudes et légèrement vertes. Il apprécie particulièrement l’aspect plus doux des tons tout en conservant la capacité de restituer magnifiquement les rouges.

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CoStar affirme avoir investi des milliards de dollars depuis sa création pour constituer la base de données photographiques immobilières la plus complète. L’entreprise emploie des milliers de photographes professionnels qui produisent annuellement plus de deux millions d’images originales, toutes détenues et protégées par CoStar.

Selon la plainte, Zillow aurait publié plus de 46 000 images de CoStar, dont beaucoup portent le filigrane distinctif de l’entreprise, affichant ces images plus de 250 000 fois sur sa seule plateforme. La situation s’aggrave par le fait que Zillow partage également ces photos sur Redfin et Realtor.com grâce à de nouveaux partenariats où elle fournit toutes les annonces d’appartements pour ces trois sites web.

CoStar estime que les dommages-intérêts potentiels pourraient dépasser un milliard de dollars. Cette affaire n’est pas la première pour Zillow en matière de violation de droits d’auteur : l’entreprise avait déjà été condamnée dans une affaire similaire impliquant le studio de photographie immobilière VHT, aboutissant à un règlement de plusieurs millions de dollars.

Andy Florance, PDG de CoStar, qualifie cette situation d’« scandaleuse », accusant Zillow de profiter de décennies de travail et d’investissements de CoStar. Il menace également de poursuivre Redfin et Realtor.com si ces sites ne retirent pas immédiatement les images concernées.

Cette affaire rappelle un précédent de 2019 où CoStar avait obtenu 500 millions de dollars de dommages-intérêts contre Xceligent pour la publication de 38 489 photos protégées par copyright, illustrant la détermination de l’entreprise à protéger sa propriété intellectuelle dans le secteur immobilier numérique.

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La polémique a éclaté suite à une récente mise à jour des conditions d’utilisation de WeTransfer qui semblait accorder à l’entreprise des droits étendus sur le contenu des utilisateurs. Une clause particulièrement controversée mentionnait l’utilisation des données pour “améliorer les performances des modèles d’apprentissage automatique qui renforcent notre processus de modération de contenu“. Cette formulation a alarmé les professionnels créatifs, notamment les photographes, dont certains ont interprété ces termes comme donnant à WeTransfer la permission d’utiliser, vendre ou partager leurs fichiers avec des entreprises d’IA.

Face à l’inquiétude croissante exprimée sur les réseaux sociaux, WeTransfer a publié plusieurs clarifications et révisé la section litigieuse de ses conditions. “Nous n’utilisons pas l’apprentissage automatique ou toute forme d’IA pour traiter le contenu partagé via WeTransfer, et nous ne vendons pas de contenu ou de données à des tiers“, a déclaré une porte-parole de l’entreprise.

L’entreprise explique que la clause originale était destinée à couvrir l’utilisation potentielle de l’IA dans les processus internes de modération de contenu, et non pour entraîner des modèles d’IA commerciaux. WeTransfer reconnaît que les termes n’étaient peut-être pas suffisamment clairs concernant le fait que les utilisateurs conservent la propriété et le contrôle de leur contenu.

Les nouvelles conditions, qui entrent en vigueur le 8 août 2025 pour les utilisateurs existants, stipulent désormais que les utilisateurs accordent à WeTransfer “une licence libre de redevances pour utiliser votre contenu aux fins d’exploitation, de développement et d’amélioration du service“. L’entreprise a également supprimé toute mention de l’apprentissage automatique pour éviter de futures incompréhensions. Cette révision vise à rassurer les créateurs sur le fait que leurs œuvres ne seront pas utilisées pour alimenter des systèmes d’IA externes.

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Le nom “Monopan 50” reflète ses caractéristiques techniques : film monochromatique, sensibilité ISO 50 et capacités panchromatiques permettant une sensibilité jusqu’à 780 nanomètres. Le terme “mono” fait également référence à la série d’appareils numériques Monochrom de Leica, lancée en 2012.

Cette annonce coïncide avec le centenaire de la photographie 35mm, débutée en 1925 avec le Leica I, premier appareil 35mm produit en série. Paradoxalement, bien que les photographes de l’époque appelaient déjà le format 35mm “film Leica”, les pellicules utilisées avec le Leica I étaient fabriquées par d’autres manufacturiers comme Kodak, Agfa et Perutz.

Le Monopan 50 promet un grain ultra-fin, une résolution jusqu’à 280 paires de lignes par millimètre et une gamme tonale exceptionnelle. Ces caractéristiques techniques s’alignent parfaitement avec la philosophie d’Oskar Barnack de “petit négatif, grande image” qui a donné naissance au concept Leica original.

La sensibilité relativement lente d’ISO 50 nécessitera l’utilisation d’objectifs lumineux ou de conditions d’éclairage optimales. Grâce à sa sensibilité spectrale étendue, cette pellicule convient également à la photographie infrarouge et s’associe harmonieusement avec les filtres colorés Leica.

Produite en Allemagne, la pellicule est particulièrement adaptée à la photographie de paysage, d’architecture, urbaine et de voyage. Elle reste compatible avec tous les révélateurs noir et blanc standard, offrant ainsi une flexibilité maximale aux photographes traditionnels.

Le Monopan 50 sera disponible mondialement à partir du 21 août 2025. La pellicule sera proposée dans quatre designs d’emballage vintage évoquant l’ère pionnière de la photographie 35mm.

Nous aurons plaisir à essayer ce nouveau film et à le comparer à un Adox HR-50 ou à un Ilford Pan F Plus 50. Les photos de promotion nous semblent un peu surexposées mais le grain a l’air très fin. Nous sommes aussi un peu sceptique sur le côté “monochromatique mais avec des caractéristiques panchromatiques“.

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Avec un poids de seulement 361 grammes batterie incluse, le V480 délivre néanmoins une puissance considérable avec un nombre guide approximatif de 50 (ISO 100, 105mm). Cette combinaison le rend particulièrement adapté aux photographes d’événements, portraitistes et créateurs qui travaillent dans des conditions exigeantes où l’encombrement doit rester minimal.

La tête du flash offre une articulation généreuse, pivotant de -7° à 120° verticalement et sur 330° horizontalement, permettant des techniques de réflexion créatives sur les murs et plafonds. Le zoom automatique ou manuel couvre une plage focale de 24 à 105mm, complété par un panneau de rattrapage intégré et un diffuseur grand-angle qui étendent les possibilités d’éclairage sans modificateurs externes.

L’autonomie constitue un point fort majeur grâce à sa batterie lithium-ion de 7,2V et 2200mAh, capable de fournir jusqu’à 650 éclairs à pleine puissance avec un temps de recyclage de seulement 1,7 seconde. La recharge s’effectue via USB-C pour plus de praticité. Le flash supporte la synchronisation haute vitesse jusqu’à 1/8000s (HSS), la synchronisation au second rideau, le mode stroboscopique et le TTL automatique avec compensation d’exposition de ±3 EV.

L’interface utilisateur mise sur un écran tactile couleur de deux pouces accompagné de boutons tactiles, permettant des ajustements rapides et intuitifs par glissement, tapotement ou pression. Une fonctionnalité remarquable est l’affichage en temps réel de la portée effective du flash, outil précieux pour les techniques de réflexion et les compositions serrées.

Le système sans fil X intégré de 2,4 GHz permet au V480 de fonctionner comme émetteur et récepteur, autorisant un fonctionnement déporté jusqu’à 100 mètres. Compatible avec les transmetteurs XPro II, X2 et X3, il supporte 32 canaux et cinq groupes pour un contrôle complet des configurations multi-éclairage.

Une lampe de visée LED à 10 niveaux est intégrée, offrant une pré-visualisation précise du placement de la lumière. Le V480 est également compatible avec l’adaptateur S-R2, le kit d’accessoires magnétiques AK-R1 et les modificateurs à monture Bowens via le support S2.

Disponible pour moins de 200 euros en versions Canon, Nikon, Sony, Fujifilm et Olympus/Panasonic, le kit complet inclut le flash, la batterie, le câble USB-C, l’adaptateur secteur, un mini-pied, une pochette de protection et le manuel d’utilisation.

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Eh bien, mon bon Monsieur, c’est une superbe focale pour faire du portrait, très complémentaire avec un 80/85mm !

Et en plus, cet objectif est une perle, une légende, un monument de l’histoire de la photographie !

Pourquoi un 180mm ?

Un objectif 180 mm est une focale polyvalente qui excelle dans plusieurs scénarios photographiques. Cette focale compresse magnifiquement la perspective, faisant apparaître les sujets distants plus proches tout en créant ce look téléobjectif caractéristique avec une faible profondeur de champ et une séparation d’arrière-plan agréable.

Applications en photographie de portrait

La focale 180mm fonctionne exceptionnellement bien pour les portraits, particulièrement les compositions de tête et de buste.

La distance de travail qu’elle offre vous permet de maintenir un espace confortable entre vous et votre sujet tout en remplissant efficacement le cadre. Cette distance aide les sujets à se sentir plus détendus et naturels, car ils ne se sentent pas oppressés par l’appareil photo. L’objectif compresse naturellement les traits du visage de manière flatteuse, réduisant la proéminence du nez et créant des proportions plus équilibrées.

Lorsque vous photographiez à pleine ouverture, vous obtiendrez un magnifique bokeh d’arrière-plan qui isole votre sujet de manière spectaculaire.

Photographie animalière et de nature

Pour la photographie animalière, le 180mm vous donne de la portée sans nécessiter de vous approcher extrêmement près de vos sujets. Bien qu’elle ne soit pas aussi longue que les objectifs dédiés à la faune, elle est suffisante pour les grands animaux, les oiseaux en vol, ou les situations où vous pouvez vous positionner stratégiquement.

Cette focale fonctionne particulièrement bien pour photographier les animaux dans les zoos, les parcs animaliers, ou les espèces plus accessibles comme la sauvagine dans les parcs.

Sports et action

En photographie sportive, 180mm peut être efficace pour certains types d’événements, surtout ceux où vous pouvez vous positionner plus près de l’action. Elle fonctionne bien pour des sports comme le basketball, le tennis, ou les épreuves d’athlétisme où vous photographiez depuis les lignes de touche. La focale vous permet d’isoler des athlètes et de capturer des moments décisifs avec une bonne séparation du sujet.

Considérations techniques et réglages de l’appareil

Lors de l’utilisation d’un objectif 180mm, le flou de bougé devient une préoccupation importante en raison de l’effet de grossissement. Une règle générale est d’utiliser une vitesse d’obturation d’au moins 1/focale, donc visez 1/200e de seconde ou plus rapide en prise de vue à main levée. Beaucoup de photographes préfèrent des vitesses encore plus rapides comme 1/250e ou 1/320e pour des résultats nets. Si votre objectif ou votre boîtier a une stabilisation d’image, vous pouvez souvent photographier à des vitesses plus lentes, mais il est toujours sage de pencher vers le côté plus rapide.

La sélection d’ouverture dépend de votre intention créative et des conditions de prise de vue. La plupart des objectifs 180mm performent mieux lorsqu’ils sont légèrement fermés par rapport à leur ouverture maximale, montrant souvent une netteté améliorée autour de f/2.8 à f/4 s’il s’agit d’un objectif rapide, ou f/5.6 à f/8 pour les versions plus lentes. Cependant, n’hésitez pas à photographier à pleine ouverture quand vous avez besoin d’un flou d’arrière-plan maximum ou que vous travaillez dans des conditions de lumière difficiles.

La version de mon objectif étant le modèle d’origine à focus manuel et bien évidemment sans stabilisation, j’adore l’utiliser en portrait avec du Kodak Portra 800, 1/500e et f/5,6 ou f/8, ce qui passe souvent en intérieur sans flash et toujours en extérieur. Le résultat est exceptionnel, la qualité de l’optique permettant d’avoir un joli bokeh en arrière plan et la mise en valeur du grain ultra fin (technologie T-GRAIN) du Portra 800.

Techniques de mise au point

La faible profondeur de champ à 180mm signifie qu’une mise au point précise est critique.

L’autofocus à point unique fonctionne souvent mieux que les modes zone ou suivi pour les sujets stationnaires, car il vous donne un contrôle complet sur le point de mise au point. Pour les sujets en mouvement, l’autofocus continu avec des réglages de suivi appropriés devient essentiel. La mise au point manuelle peut être efficace dans des situations contrôlées, surtout lors de l’utilisation du grossissement en visée directe pour assurer une netteté critique.

Composition et techniques créatives

L’effet de compression du 180mm vous permet d’empiler les éléments dans votre composition de manières intéressantes, rapprochant visuellement les arrière-plans distants de votre sujet. Cela peut créer des portraits environnementaux convaincants où le contexte d’arrière-plan reste visible mais compressé. L’objectif excelle également à isoler les sujets des arrière-plans chargés, le rendant précieux dans des environnements encombrés où vous voulez simplifier votre composition.

Pour des effets créatifs, essayez d’utiliser la focale de 180mm pour la photographie abstraite, en vous concentrant sur les motifs, textures, ou détails isolés dans les paysages. La compression peut transformer des scènes ordinaires en compositions plus graphiques et simplifiées en aplatissant la perspective et en mettant l’accent sur les relations de formes plutôt que sur la profondeur.

Conseils pratiques de prise de vue

Considérez l’utilisation d’un monopode ou d’un trépied quand c’est possible, surtout pour des sessions de prise de vue plus longues ou dans des conditions de faible lumière. Le poids et la longueur de la plupart des objectifs 180mm peuvent causer de la fatigue lors d’une utilisation prolongée à main levée. Lors de prises de vue à main levée, une technique appropriée devient cruciale : gardez vos coudes rentrés, utilisez une position large, et suivez votre respiration en photographiant lors de la pause naturelle entre l’expiration et l’inspiration.

Soyez conscient de votre environnement lors de l’utilisation de focales plus longues, car il est facile de développer une vision tunnel et de rater ce qui se passe autour de vous. Le champ de vision étroit signifie que vous pourriez rater des moments fugaces ou des changements dans votre environnement qui pourraient affecter votre photographie ou votre sécurité.

Pourquoi ce Nikon NIKKOR 180mm f/2.8 ?

Le Nikon AI-S 180mm f/2.8 ED, introduit en 1981, demeure peut-être l’objectif 180mm le plus vénéré jamais fabriqué. L’objectif Nikon 180mm f/2.8 ED est un objectif légendaire, et à juste titre. Ses performances pour la photographie de jour normale sont tout simplement remarquables.

Malgré son âge, cet objectif est resté en production pendant des décennies et continue d’être très apprécié. J’utilise cet objectif depuis plus de 20 ans et il est stellaire. Sur un trépied en f8, il est d’une netteté extraordinaire.

La conception optique avait été réalisée par M. MATSUI, avec une structure à cinq groupes et cinq éléments et du verre ED (Extra-low Dispersion). Ce design fut un modèle pour toutes les futures conceptions 180mm avec sa netteté exceptionnelle, son magnifique bokeh et son format remarquablement compact.

Le Nikon AF 180 mm f/2.8D IF-ED, introduit en 1986, apporta ensuite la capacité d’autofocus à cette focale tout en maintenant l’excellence optique de ses prédécesseurs manuels. Alors que Canon a mis à jour pour la dernière fois son 200mm 2.8 en 1996, Nikon n’a jamais mis à jour la conception optique de son Nikon AF 180mm 2.8 depuis 1986.

La focale 180mm représente un point idéal pour beaucoup de photographes, offrant une portée significative et des effets de compression tout en restant gérable en taille et poids comparé aux téléobjectifs plus longs. Avec de la pratique et une attention à la technique appropriée, elle peut devenir un outil inestimable pour créer des images convaincantes à travers plusieurs genres de photographie.

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Ces guides offrent une alternative rafraîchissante aux itinéraires Instagram parfaits et aux listes de destinations générées par intelligence artificielle. Ils privilégient les chemins moins fréquentés, ceux connus uniquement des habitants locaux, des artistes et des photographes analogiques qui arpentent ces rues avec leur regard particulier. L’objectif est de permettre aux voyageurs de découvrir l’atmosphère authentique de chaque lieu plutôt que de se contenter des attractions touristiques habituelles.

La plateforme propose déjà plus de trente guides couvrant des villes du monde entier, de Tokyo à Berlin en passant par Manille. Chaque guide constitue une véritable lettre d’amour personnelle à une destination, rédigée avec soin par des membres de la communauté Lomography qui partagent leur passion pour la narration visuelle et la photographie argentique.

Ce qui distingue ces guides, c’est leur approche photographique unique. Ils ne se contentent pas d’indiquer où aller, mais expliquent comment voir et photographier. Les lecteurs découvrent comment la lumière se comporte dans certaines rues à l’heure dorée ou pourquoi une pellicule vintage particulière convient parfaitement aux ciels nuageux d’Édimbourg.

Les guides incluent des conseils pratiques sur le matériel photographique adapté à chaque destination, des suggestions de laboratoires de développement locaux, de boutiques d’appareils analogiques, et des spots photo cachés connus seulement des initiés. Ils reflètent l’esprit de la photographie argentique : imprévisibilité, intimité et joie tactile de shooter à l’ancienne dans un monde numérique en constante accélération.

Cette initiative s’inscrit parfaitement dans la philosophie Lomography qui célèbre la spontanéité et la beauté unique de la photographie argentique, offrant aux photographes voyageurs une ressource vivante et évolutive basée sur de vraies expériences communautaires.

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Bien que Learning Light ne soit pas spécifiquement conçu pour les photographes, il offre de nombreuses perspectives utiles pour tous les niveaux de compétence, l’éclairage étant un élément fondamental de la photographie. L’outil propose deux approches principales : un programme de cours structuré avec des images d’exemple et un chatbot IA intégré, ou un mode libre permettant d’expérimenter dans un studio virtuel en contrôlant l’intensité, l’angle, la couleur et d’autres paramètres lumineux.

Les huit leçons d’éclairage disponibles couvrent des sujets comme l’intensité lumineuse, la couleur, la forme, la position et la direction, la mise au point, le cadre et l’ambiance. Les utilisateurs peuvent découvrir comment l’angle et la proximité de la lumière affectent la lumière et les ombres, ou comment utiliser différentes couleurs d’arrière-plan pour créer un éclairage de contour dynamique. Le contrôle de la pénombre aide particulièrement à comprendre les différences entre éclairage dur et doux.

Au-delà des leçons de base, quatre leçons spécialisées enseignent les configurations d’éclairage de célèbres œuvres d’art, notamment le fameux tableau d’Edward Hopper de 1942, “Nighthawks”.

L’outil présente certaines limitations : peu d’accessoires disponibles, impossibilité de changer la position réelle des lumières (seulement celle du sujet), et absence d’options pour ajouter des softbox ou des parapluies qui modifient drastiquement la qualité lumineuse.

D’autres outils proposent des fonctionnalités similaires à Learning Light de Google pour l’apprentissage de l’éclairage comme Virtual Lighting Studio, ou Set.a.Light 3D.

Malgré ces restrictions, Learning Light reste un outil fascinant et gratuit pour les photographes et artistes visuels souhaitant explorer et apprendre les subtilités de l’éclairage.

L’expérience est accessible dès maintenant sur le web via Google Arts & Culture.

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L’affaire concerne le Dr Stephen Thaler, un informaticien qui a créé une intelligence artificielle générative nommée “Creativity Machine”, laquelle a produit une image intitulée “A Recent Entrance to Paradise”. Le Bureau américain du droit d’auteur (U.S. Copyright Office) a rejeté la demande de M. Thaler, car celui-ci avait inscrit Creativity Machine comme seul auteur de l’œuvre.

Après ce refus, Thaler a intenté une action en justice. Un tribunal fédéral (la Cour de district des États-Unis pour le District de Columbia) a confirmé la décision du U.S. Copyright Office et la Cour d’appel fédérale a ensuite maintenu ce jugement. Suite à cette décision, l’avocat de Thaler, Ryan Abbott, a déclaré qu’ils étaient “fortement en désaccord” avec ce jugement et qu’ils comptaient faire appel. Le U.S. Copyright Office estime quant à lui que “la cour est parvenue au bon résultat“.

Il est important de noter que le U.S. Copyright Office autorise l’enregistrement d’œuvres créées par des auteurs humains utilisant l’intelligence artificielle. Le débat sur la part de contribution de l’IA dans une œuvre d’auteur humain n’était pas au cœur de cette affaire, puisque Thaler avait désigné Creativity Machine comme unique auteur.

La cour a souligné que tout changement dans la législation sur le droit d’auteur relève de la compétence du Congrès. “Même si l’exigence d’un auteur humain devait un jour entraver la création d’œuvres originales, ce serait une question de politique que le Congrès devrait traiter“, a écrit la juge Millett dans son avis de 24 pages.

Comme l’a résumé la juge Millett, “les machines sont des outils, pas des auteurs“. Accorder le statut d’auteur à un ordinateur ou à une machine rendrait absurde l’interprétation de la Loi sur le droit d’auteur, car les machines n’ont ni enfants, ni nationalité, ne meurent pas et ne possèdent pas de biens.

Accès au jugement ici.

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Dans quels cas utiliser le mode stroboscopique ?

Le mode stroboscopique est particulièrement adapté pour photographier des sujets en mouvement lorsque vous souhaitez visualiser la trajectoire ou la séquence du mouvement. Voici quelques situations idéales :

• Pour les sports et l’action : captures de mouvements athlétiques comme un golfeur exécutant son swing, un danseur effectuant une pirouette, ou un joueur de tennis servant.
• Pour les portraits créatifs : création d’images où votre sujet apparaît plusieurs fois dans le même cadre, comme une personne marchant à travers la scène.
• Pour les études de mouvement : analyse du mouvement d’objets tombant, rebondissant ou tournant.
• Pour les performances musicales : visualisation du mouvement des baguettes d’un batteur ou des mains d’un pianiste.

Comment utiliser le mode stroboscopique ?

Pour utiliser efficacement cette technique, voici la démarche à suivre :

Préparation du matériel : Utilisez un flash compatible avec le mode stroboscopique (généralement des flashs externes de niveau intermédiaire à professionnel) et placez-le dans un environnement sombre pour que seuls les éclairs illuminent votre sujet.

Réglages de l’appareil : Passez en mode manuel (M) et réglez une vitesse d’obturation lente, généralement entre 1 et 4 secondes selon le mouvement à capturer. Utilisez un trépied pour éviter les flous de bougé.

Configuration du flash : Accédez au mode stroboscopique de votre flash (souvent appelé “MULTI”) et configurez trois paramètres essentiels :

• La puissance du flash (généralement 1/16 à 1/128 de la puissance maximale)
• La fréquence des éclairs (Hz, ou nombre d’éclairs par seconde)
• Le nombre total d’éclairs pour l’exposition

Test et ajustements : Commencez par des mouvements simples et ajustez vos paramètres. Si les images sont trop claires ou se chevauchent trop, réduisez la puissance du flash ou augmentez la fréquence.

Considérations pour la composition : Assurez-vous que votre sujet se déplace dans une direction qui permet de distinguer clairement les différentes phases du mouvement. Un fond simple et sombre fait mieux ressortir l’effet.

L’équilibre parfait entre ces paramètres dépend de la vitesse du mouvement à capturer. Pour un mouvement rapide comme un service au tennis, une fréquence élevée (20-30 Hz) avec un nombre modéré d’éclairs (10-15) pourrait être appropriée. Pour un mouvement plus lent, comme une danse, réduisez la fréquence (5-10 Hz) et augmentez éventuellement le nombre d’éclairs.

N’oubliez pas que cette technique demande de la pratique et de nombreux essais. Chaque situation nécessitera des ajustements spécifiques, mais c’est précisément cette dimension expérimentale qui rend le mode stroboscopique si créatif et gratifiant.

Cette technique s’inspire des travaux pionniers du photographe Harold Edgerton, qui a popularisé la photographie stroboscopique dans les années 1930 avec ses célèbres images de gouttes de lait et de balles traversant des objets.

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